jueves, 24 de agosto de 2017

EL GENERAL ROBERT E. LEE


Lo de derribar estatuas, no es deporte nacional exclusivo de la izquierda progre de "estepais". En los EEUU, están haciendo morder el polvo de la revancha histórica a estatuas de confederados como la del general ROBERT EDWARD LEE, 152 años después de terminada la mal llamada guerra civil norteamericana, reabriendo viejas heridas en apariencia bien cerradas. LEE, es un personaje tan controvertido como pueda serlo ABRHAM LINCOLN, y tantos como existen en la ciencia histórica. ¿Era el comandante general de las fuerzas confederadas racista y por lo tanto defensor de la esclavitud? Existen testimonios documentados que así lo dan a entender, y así mismo, se pueden encontrar documentos que contradicen dicha cuestión. El racismo, ni mucho menos era propiedad única de los estados del sur, ni la esclavitud fue la causa del conflicto. Por lo que, si se derriba la estatua de LEE, se debería también demoler la de LINCOLN por ser racista convencido, las de padres fundadores como WASHINGTON o JEFFERSON por esclavistas, (éste ultimo con la propensión de forzar a sus esclavas a complacerle sexualmente), y por no haber hecho nada en su actividad política por la liberación de los esclavos, al igual que todos los que les sucedieron en la presidencia durante mas de cien años, no hicieron nada por mejorar la vida de los negros. La del general SHERMAN, que vestía el uniforme azul de la unión, o sea el de “los buenos”, pero al que muchos historiadores señalan como el mayor criminal de guerra en aquel conflicto; y tampoco deben olvidarse de derribar las estatuas dedicadas a los BUFFALO SOLDIERS, porque durante las guerras indias, y algunas más, no fueron todos unos “angelitos negros" como cantaba el gran ANTONIO MACHIN, los habría buenos como “el soldado ejemplar” de la película del maestro JOHN FORD, y los hubo malos malísimos. Al igual que en “Dixieland” había blancos a favor de mantener la esclavitud, y los había en contra, porque tan sureño es el KU KUS KLAN como los valores que representa todo un caballero sureño como ATTICUS FINCH, pero unos y otros fueron a pelear en defensa de su soberanía frente al expansionismo industrial yankee. Para muchos, los estados confederados y su bandera - los "johnny rebs", granjeros, ganaderos, peones para cualquier brega, "la basura blanca", "la carne de molino", varios de ellos con sangre india corriendo por sus venas, la autentica mayoría representativa del sur y no los ricos terratenientes con un ejercito de esclavos a su absolutista servicio, que nos muestran en las películas- simbolizan el primer foco de resistencia en la historia contra el imperialismo yankee. Tendrían mucho trabajo en el derribo de estatuas, tanto que terminarían por derribarse a si mismos como nación. Viendo la estupidez que nos rodea, con este sentimiento de culpa por ser de raza caucásica y tener que estar pidiendo perdón todo el tiempo, síntoma inequívoco de autoracismo impuesto; con todas estas revisiones “histéricas” y sus leyes de “memoria”, planteadas desde un maniqueísmo infantil e irreal, pero con un inequívoco trasfondo perverso y una doble moral que clama al cielo de los justos, me entran unas ganas irrefrenables de alistarme voluntario al ejercito confederado - como ya hicieran un buen puñado de nuestros antepasados carlistas - para ir a luchar contra los malditos yankees.


lunes, 17 de abril de 2017

REFLEXIONES ELECTRICAS EN TORNO A T.BONE WALKER Y EDDIE COCHRAN


Me pregunto si... ¿Lo que entendemos por memoria colectiva ha pasado antes por un momento de tanta fragilidad como el de ahora? En el mejor de los casos, alcanza para recordar que hubo una edad lejana y difusa, la de los dioses, (Zeus). Después llegó una época, que según para quien empieza a ser muy remota, en la que los dioses se mezclaron libremente con los mortales, la de los semidioses, (Hercules). Y por ultimo, la de los héroes, (Aquiles), en la cual la actividad divina fue más limitada, pero sobre la que el común de los mortales posee impresiones más cercanas y familiares.
Por lo general, en el Olimpo musical que van configurándose los aficionados al pop- rock, (especie que corre serio peligro de ser reemplazada por una nueva clase dominadora de oyentes en el planeta pop, "los reguetoneros"), residen toda suerte de Semidioses y Héroes, mas algún que otro viejo Dios. Sin embargo, casi siempre advierto el mismo vacío en su particular escala de conocimientos, como si de la gran biblioteca musical colectiva, se hubiesen extraviado una serie de registros sonoros esenciales, que ya tan sólo unos cuantos "veteranos" y "ratones de fonoteca", presa de la nostalgia, recuerdan haberlos escuchado. Por lo tanto, una arma tan estimulante para el descubrimiento como es el You Tube, llega a carecer de buena parte de su eficacia, pues muchos aficionados jovenes, y no tanto, al rock, para quienes diez años atras significan "la noche de los tiempos", ignoran el hecho de que, - ni tan siquiera parece factible la posibilidad de que entre en la esfera de sus conocimientos - , a los Dioses les precedieron los gigantes, y que aquellos emanaron de estos, (Cronos, Padre de Zeus).
Cada generación necesita buscar su propia manera de contar historias, sentirse dueña de rítmicas que le permitan tomarle el pulso al tiempo que le ha tocado vivir; y también, erigir nuevos dioses a los que adorar, y en quienes depositar sus ofrendas para la catarsis. Es muy comprensible, pero... Tanto culto sucesivo a lo nuevo - con historias que saben más a rancio y engolado sucedáneo que a genuina novedad, pues sin duda "alguna campana han escuchado pero no saben donde", peor contadas y cantadas que antaño, lo cual denota un profundo desconocimiento de lo viejo, porque solo desde un conocimiento de lo viejo se es capaz de crear algo verdaderamente nuevo - produce una fatal ruptura contra lo que debería entenderse como un todo continuo. En España en concreto, ya sólo los flamencos prestan atención a las historias de sus mayores sobre los viejos dioses del ritmo y el compás, lo cual, les posibilita conservar cierta conciencia de que son un eslabón que va sumándose a una rica y larga cadena.
Si aceptamos que, el arte surge de la chispa que provoca el roce con lo divino, es fácil prever las consecuencias de alejarse cada vez más de la sabiduría que otorga el conocimiento de los dioses, y carecer de toda inquietud por descubrir, quienes fueron los gigantes. Son ya varias décadas en las que, desde los cielos no desciende para habitar entre nosotros ningún nuevo dios, semidios, o héroe, con la entidad y el peso mitológico de los antiguos. Tengo serias dudas de que, dentro de veinte años alguien se atreva a decir de las deidades contemporáneas algo tan rotundo como: "¿Por qué no escribo canciones? Porque CHUCK BERRY las ha escrito todas" (GEORGE THOROGOOD)

En el año 2003, la revista especializada en música rock,"Rolling Stone", elaboró una de sus famosas y cerradas listas, en las cuales pretende establecer - en función de la importancia histórica, innovación técnica y virtudes artísticas - quienes han sido "los mejores de todos los tiempos". En el caso que nos ocupa, le tocó el turno a los guitarristas, principalmente de Rock and Roll, aunque con alguna excepción del ámbito del Blues y el Jazz. La lista tuvo su reactualización en el 2015, eliminándose unos nombres, de manera injustificable, para añadir otros. Lo primero que me resultó llamativo fue la incorporación a la del 2015 del guitarra rítmica de THE BEATLES, el mítico JOHN LENNON. El argumentario esgrimido para ello es que, si bien no era un guitarrista muy dotado técnicamente - como el mismo LENNON llegó a reconocer -  su función como "bujía" indispensable que galvanizaba el motor del grupo más influyente de la historia, merece ser digna de resaltarse; y en consecuencia, hacerle un hueco en tan prestigiosa lista. ¡Me alegro mucho por LENNON! Pero... ¡Hombre! Ya puestos a reivindicar la labor de un segundo guitarra... Quien diseñó el manual de como debe ser la función del guitarra rítmica, dentro del engranaje energético de una banda de RnR, fue un señor que respondía al nombre de ELVIS PRESLEY. Tal labor, comienza a emprenderse en aquellas grabaciones registradas en un pequeño sello independiente de Memphis, allá por Julio de 1954. Parece que el manual - de manera consciente o inconsciente mas o menos reconocida - sigue consultándose, porque cada vez que se cuela el sonido de una segunda guitarra - amplificada o no - por cualquier grabación de rock contemporáneo, escucho esa inconfundible tensión rítmica, herencia directa del Blues, producida por un rasgado de cuerdas seco y punzante, que iría forjándose en el seno del no menos mítico trío musical, "The Blue Moon Boys"; cuyos miembros, (ELVIS PRESLEY, SCOTTY MOORE, y BILL BLACK), elaboraron su concepción sonora sin batería. Claro que, incluir a un guitarra rítmica que responde al nombre de ELVIS PRESLEY, entre tanto virtuosismo celestial, resulta tan sacrílego para el canon imperante entre los críticos de rock, como excluir a SIR JOHN LENNON del mismo.    

Bien, el nº 1, tanto en una edición como en otra, lo sigue ostentando uno de los dioses intocables del actual Olimpo, JIMI HENDRIX, lo que no me causó ninguna sorpresa. Si me llamó mucho más la atención, el lugar designado para alguien como T.BONE WALKER, (nº 47 en la edición del 2003, degradado a la posición N° 67 en la del 2015) ... No me considero un experto en guitarras ni en guitarristas, y no voy a cuestionar el virtuosismo y la influencia de HENDRIX, aunque a mí su música nunca me ha despertado un gran entusiasmo; también, es probable que desde el punto de vista técnico tocase mejor la guitarra que WALKER. Lo que sí sé, es que la labor emprendida por T. BONE unos treinta años antes del impacto de HENDRIX, facilitó a éste el poder desarrollar plenamente todo su potencial como instrumentista. A mi juicio, deberíamos saber otorgar igual mérito, tanto al que cava zanjas y apuntala los cimientos de una casa, como al que termina de edificar la construcción para elevarla hasta el cielo y establecer su pináculo .La "gigantesca" labor de los pioneros, no queda sepultada por el tiempo, más bien por la desmemoria. Los solos de T. BONE, mucho más sinuosos y afilados de lo que marcaban los cánones, sentaron las bases del blues eléctrico, y el futuro protagonismo esencial de la guitarra eléctrica en el RnR, con permiso de MUDDY WATERS (N° 49 en la del 2015, ni rastro de él en la del 2003).
Una estampa emblemática de JIMI HENDRIX, le representa en el escenario mientras rasga su guitarra con los dientes. Pero en realidad, es una imagen que el joven Dios de los 60, copia del viejo gigante de los 40, ya que la autoría original de aquel acto tan diestro y apasionado, pertenece a T. BONE. Al igual que, antes que HENDRIX, CHUCK BERRY, deidad suprema del RnR, tomaría buena nota de los recursos escénicos que el coloso tejano desplegaba con la guitarra en las manos. En justicia, T. BONE WALKER, merecería una posición de mayor privilegio en "la revista oficial del Olimpo", porque sin la existencia de éste Titán, no se entiende a Dioses de la electricidad musical como: BB KING, BUDDY GUY, ALBERT KING, JOHNNY GUITAR WATSON o CHUCK BERRY, y sin estos, a los héroes o dioses modernos de la guitarra eléctrica como: ERIC CLAPTON, JEFF BECK, JIMI HENDRIX, JIMMY PAGE, ANGUS YOUNG, VAN HALEN o PRINCE. Por supuesto que, T. BONE WALKER, seguiría muy de cerca los progresos alcanzados en el oficio de la amplificación del sonido por guitarristas provenientes del jazz como: EDDIE DURHAM o CHARLIE CHRISTIAN (no se molesten en buscarles en ninguna de las listas). Muchos autores dirán que, ROBERT JOHNSON es el autentico pionero de la electrificación, porque sus grabaciones "desenchufadas" desprenden una energía eléctrica diabólica. Y luego, saldrá otro que diga que JOHNSON le copió el estilo a SON HOUSE, así que SON HOUSE es el que... Como en cualquier género musical, es harto complicado buscar una paternidad exclusiva, y el blues eléctrico no iba a ser menos. Todo recorrido histórico, requiere de puntos de partida, pero las referencias nunca deberían de ser tan limitadas en el espacio - tiempo histórico, como las que nos señalan en este tipo de listas retrospectivas, un ramillete de músicos y críticos escogidos por el "Rolling Stone", y laureados por APOLO y MINERVA.


Mas o menos el 75% de los guitarristas incluidos en dicha relación, son de los años 60 en adelante, (gracias a los dioses del Olimpo, en la ultima lista todavía no se han olvidado de guitarristas de "gigantesca" importancia en la evolución del instrumento como: LES PAUL, CHET ATKINS, MUDDY WATERS, ALBERT KING, JAMES BURTON, BO DIDLEY, SCOTTY MOORE, BB KING, CHUCK BERRY, DUANE EDDY, LINK WRAY), por lo que.. ¿Debemos suponer que la gran mayoría de guitarristas innovadores, influyentes y virtuosos, surgieron a partir de "la década prodigiosa"?....
Imagínense que se confecciona una lista de los 100 mejores futbolistas de todos lo tiempos, y exceptuando alguna que otra referencia ineludible como: PELÉ, DI STEFANO, GARRINCHA, KOPA, PUSKAS, GENTO, EUSEBIO y BOBBY CHARLTON, el resto de los cien seleccionados son futbolistas de la época de JOHAN CRUIFF en adelante, es decir, pertenecen a la era del fútbol moderno... ¿Acaso los jugadores de los años 30, 40, Y 50, no jugaban bien al fútbol y no fueron determinantes para la evolución del juego? Con esas botas y ese balón de entonces...¿No se requería de una técnica muy fina y depurada para regatear, conseguir potencia, efectos y colocación? No existe prueba científica que demuestre que, CRISTIANO RONALDO o MESSI juegan mejor al fútbol que LEONIDAS DA SILVA (astro brasileño de los años 30 inventor de "la chilena", y que en el mundial de Italia de 1938 marcó un gol a Polonia teniendo que jugar descalzo), o MATTHIAS SINDELAR (posiblemente el mejor jugador europeo del periodo de entre guerras, apodado "El Mozart del futbol" por su extraordinaria calidad técnica). La única diferencia entre DA SILVA o SINDELAR, y los posteriores astros del balompié, tiene que ver con la trascendencia mediática, la importancia concedida a la preparación física, la evolución del orden táctico, y los materiales deportivos correspondientes a cada época que les tocó vivir; pero no con una superior destreza técnica en lo que al juego en sí se refiere. Tenían que haber coincidido en un mismo tiempo, todos los grandes futbolistas de la historia, haber competido unos contra otros en unas edades similares, con el mismo balón y calzado deportivo, para determinar con rigurosa fiabilidad por que unos merecen ocupar el Nº 1, y otros el Nº 67. Y también, ¿Por que "no están todos los que son"? o ¿Por que están y luego se olvidan de que estén? ¿HENDRIX era 66 numeros mejor guitarrista que T. BONE? Como diría un polémico entrenador del balonpie... "¿Por que?"
En lo que se refiere a las selecciones mundiales de todos los tiempos que elabora "el Rolling Stone", siempre echamos a faltar ausencias muy, pero que muy notables. ¿Se puede concebir una lista de los cien mejores pintores de la historia, en la que un gran porcentaje de la misma esta constituida por pintores de los últimos 180 años, pongamos a partir del realismo, saltándose el romanticismo, el neoclasicismo, el rococo, el barroco, el renacimiento etc etc? ¿Tendría sentido?¿Podríamos entender la evolución del arte pictórico de una manera integral?
La historia del RnR y de la música popular en general, no abarca tantos años, ni tantos periodos, como para sufrir una amnesia tan profunda, o una memoria tan frágil de su pasado inmediato...
El influjo de DJANGO REINHARDT hace tiempo que traspaso la esfera del jazz.
Las aportaciones de IKE TURNER (figura en la lista del 2003 pero desaparece en la del 2015), en cuanto a las texturas sonoras definitorias del blues eléctrico, dejaron de ser invisibles tiempo atrás.
El único que se acuerda de CARL HOGAN es CHUCK BERRY, escuchen "Ain´t That Just Like a Woman" de LOUIS JORDAN AND his TIMPANY FIVE y entenderán el por que.
Puede parecer una exageración, pero bajo mi criterio los enloquecidos solos de la guitarra heavy metal, le deben mucho a la endiablada velocidad que CLIFF GALLUP, (N° 79 en el 2003, eliminado en la del 2015), imprimía a los suyos cuando desplazaba los dedos por el mástil. Sus sacudidas eléctricas en las grabaciones para GENE VINCENT, escondían una demoledora premonición.
No es necesario poseer unos grandes conocimientos sobre las técnicas de la guitarra eléctrica, para percatarse de que, los novedosos recursos expresivos que JIMI HENDRIX incorporó al lenguaje eléctrico de las seis cuerdas - estilo agresivo, reverberación, realimentación - son absolutamente apreciables en un señor llamado JOHNNY GUITAR WATSON, gigante de la guitarra que comenzó su andadura profesional unos cuantos años antes que el Dios HENDRIX... Basta con escuchar  "Guitar Space" (1953). Sin duda, una de las ausencias mas inexplicables - tanto en 2003 como en 2015 - es la del gran JOHNNY GUITAR WATSON.
Y que decir de BRIAN SETZER... Un guitarrista que a principios de los 80 amplió las fronteras armónicas de un genero, el Rockabilly, con unas lineas rítmicas muy delimitadas, y del que ya parecía todo dicho. Pocos guitarristas saben tocar de manera tan precisa con púa y dedos a la vez, creando dos lineas melódicas simultáneas. Sus "fills" bluseros, poseen esa marca inconfundible de un gran innovador de las seis cuerdas. No obstante, éstas sobradas credenciales, nunca han sido suficientes como para incluir a SETZER - uno de los guitarristas más interesantes de los últimos 35 años - en la lista de los campeones mundiales de la guitarra eléctrica.  
En fin, se pueden buscar todo tipo de justificaciones a tan significativos "olvidos"... GALLUP Y HOGAN son guitarristas oscuros. REINDHART proviene del jazz. Los avances de GUITAR WATSON resultaban demasiado extravagantes para su época, y HENDRIX los terminó de pulir en un momento más adecuado. SETZER, aún siendo un artista de grandes audiencias, se encuentra demasiado asociado a un estilo muy especifico y minoritario. Y en el caso de TURNER, quizás influyan episodios de su vida privada nada honorables... Si bien, la omisión más llamativa, y menos perdonable entre las imperdonables, sea la de un talento precursor y clarividente como pocos dentro de la historia del RnR, si exceptuamos a BUDDY HOLLY (se olvidaron de él en 2003 Nº 80 en la del 2015), y cuya inspiración, se originaba en las vibraciones eléctricas que produce la pulsión de las cuerdas de acero y níquel... Estoy refiriéndome a todo un gigante entre gigantes, EDDIE COCHRAN (Nº 84 en el 2003 condenado al olvido en la del 2015). La trascendencia de EDDIE COCHRAN en toda la música rock posterior a él, tiene cuando menos, igual valor que la de LOS BEATLES o JIMI HENDRIX, pero el hecho de que falleciese a los 21 años, la confiere unas connotaciones prodigiosas, pues dejó grabadas un numero relativamente corto de canciones. La naturaleza innovadora de su talento, abrió nuevos cauces expresivos, por donde en un futuro muy próximo iban a discurrir las diferentes corrientes evolutivas del nuevo género. E insisto, todo ello sin llegar a cumplir los 22 años...

"Sumertime Blues" (1958), su mayor éxito propiamente rockero, introdujo el "Power chord", ("acorde de potencia"), en el Rock and Roll, recurso utilizado hasta la saciedad por guitarristas de "Heavy Metal" y  "Punk Rock". Aunque a decir verdad, LOS EVERLY BROTHERS, otros grandes cimentadores de futuras sonoridádes, ya realizaron algún apunte sobre esto. "Sumertime Blues", supera definitivamente la tradicional estructura del RnB, insinuando nuevos caminos a seguir. Con ese sonido metálico y esa voz rasgada del "Blues del Verano", el Rock and Roll se emancipaba de sus progenitores, para empezar a crecer y tomar nuevos rumbos sin el amparo de estos. Cualquier tema considerado de Rock que escuchemos hoy en día, se reelabora sobre dos constantes esenciales: Sonido metálico de guitarra y voz rasgada.

"Something Else", (1959), en la que COCHRAN toca la guitarra además del contrabajo eléctrico, (en varias de sus grabaciones llegó a tocar todos los instrumentos), se adelanta más de una década al contundente sonido "Punk Rock".

"Tenaggie Cutie" (1958) constituye otra muestra de su premonitorio talento musical, ya que anticipa los sonidos pantanosos de la CREEDENCE CLEARWATER REVIAVAL, casi diez años antes de que la banda se materializase. (En este caso la paternidad debe compartirse con DALE HAWKINS... ¿O fue JAMES BURTON?)

Los acordes de "Three Steps to Heaven"(1960) suenan a "unplugged" contemporaneo, pero... ¡Ojo!¡Es una grabación de Enero del año 1960! Acordes que DAVID BOWIE calcó sin cortarse un pelo para la introducción de su tema, "Queen Bitch"(1971). Así mismo, la convulsión guitarrera de "Space Oddity"(1969) lleva el sello inconfundible de COCHRAN.

Otras composiciones propias - "Sweetie Pie" (1957), "My Way"(1959) - pero también el tratamiento musical que imprime a las ajenas - "Nervous Breakdown" (1958), "Cut Across Shorty"(1960) - igualmente trasmiten una inequívoca sensación de modernidad desde la primera escucha. No es difícil, detectar rasgos distintivos de su música, en muchos grupos que suponen referencias ineludibles de los años 60 y 70, para legiones de jóvenes guitarristas rock actuales. Los riffs que producía con su Gretsch 6120, reverberan en numerosas grabaciones de THE WHO, THE KINKS, THE ROLLING STONES, DEEP PURPLE, T. REX, RAMONES, SEX PISTOLS. Si bien, los de CUCHK BERRY y el blues eléctrico de Chicago, sean de una influencia mas visible para todos ellos.

Al margen de su labor como compositor vanguardista, también conviene resaltar su genio interpretativo al pisar terrenos más clásicos, dando buena cuenta de él, en la magistral versión que realizó del tema de RAY CHARLES, "Alheluya I Love Her So". La pieza, está bien arropada en todo momento por espléndidos arreglos de cuerda. Hacia la parte central de la canción, el sonido metálico de su guitarra comienza a replicar de manera concisa al incisivo planteamiento que propone la sección de viento; hasta que progresivamente, aquel vibrante dialogo termina por transformarse en un irrebatible monólogo eléctrico, que evidencia los progresos de su virtuosismo instrumental. Sin duda, una pieza maestra desde el punto de vista de la concepción musical. ¿Sonido de guitarra eléctrica bien afilado con una orquesta sinfónica detrás? Nada es tan nuevo bajo el sol del planeta Rock. Así mismo, una vez le concedieron mayor libertad creativa a raíz del éxito de "Sumertime Blues", comenzaría a experimentar con las posibilidades tecnológicas de la época, grabando simultáneamente por varios canales. Una herramienta en el registro de los sonidos pop, que más tarde utilizarán en sus magnas obras de finales de los 60, THE BEACH BOYS y THE BEATLES.

En definitiva, uno de los talentos más precoces y luminosos en la historia de la música popular, que no tiene el reconocimiento debido, pues fue COCHRAN quien profetizaría a golpe de guitarra, los posteriores pasos evolutivos que daría la criatura rock para seguir mutando.
LITTLE RICHARD inventó el RnR en cuanto a estructura rítmica y temperatura emocional, sin embargo, CHUCK BERRY, al dotarle de un mayor y característico contenido vital, lo definiría de un modo más categórico... Y si ELVIS, al lograr algo tan complicado como universalizar un genero de raíces muy provincianas y marginales, termina por convertirse en la suprema leyenda que todo mito necesita; la figura de COCHRAN nos representaría a su mayor visionario - sin olvidarnos de BUDDY HOLLY o los hermanos EVERLY verdaderos padres fundacionales del pop en su concepción moderna - sin duda, el JULIO VERNE del Rock And Roll.

EDDIE COCHRAN fue un cantante mas o menos popular entre 1956 y 1959, que intervenía en películas y salía por la tele, pero que en ningún momento llegó a rozar siquiera un estatus estelar parecido al de LITTLE RICHARD, CHUCK BERRY, FATS DOMINO, JERRY LEE LEWIS, BUDDY HOLLY, RICKY NELSON o ni mucho menos al de ELVIS. Su mayor hit en vida seria el mencionado "Sumertime Blues", (N° 8 USA). Antes, en 1957, obtuvo un moderado éxito con "Sittin' in the Balconny" (Nº18 USA), tema de corte pop porque su lanzamiento como cantante de RnR, no había obtenido el impacto comercial esperado por su discográfica, Liberty Records. El resto de sus sencillos, alcanzaron posiciones aun mas alejadas de los primeros puestos. El éxito de "Sumertime Blues" no volvió a repetirse, amén de que en EEUU soplaban unos aires de cambio nada prometedores para el Rock And Roll. A pricipios del año 1960, tras una gira por Australia, y al igual que su amigo GENE VINCENT, dirigió sus pasos artísticos hacia tierras británicas. Entre Enero y Abril de ese año, las apariciones televisivas y los numerosos conciertos, le convierten en la gran sensación musical del momento en el reino de ISABEL II. Durante esos primeros meses de la recién estrenada década, COCHRAN consigue ser la estrella de Rock and Roll que jamás fue en su país. Lamentablemente, tuvo poco tiempo para disfrutar de tan merecido reconocimiento. El 16 de Abril, al atravesar la localidad de Chippenhan por la carretera A 4, a unos 154 km al oeste de Londres, sufrió un accidente en el Taxi en que viajaba. Le acompañaban su novia, la compositora SHARON SHEELEY, y su amigo GENE VINCENT. SHEELEY y VINCENT sobrevivieron, pero COCHRAN no tuvo tanta suerte, falleciendo al día siguiente a consecuencia de sus heridas. Apenas un mes más tarde, "Three Steps to Heaven" escalaba a lo mas alto de las listas inglesas; el único Nº 1 de toda su carrera. Según la revista "Cashbox", ED SULLIVAN había mostrado cierto interés por ese joven rockero estadounidense, semiconocido en su país, pero que estaba triunfando de manera apoteósica al otro lado del atlántico. Es posible que, una hipotética aparición en el histórico programa televisivo, "Ed Sullivan Show", hubiese supuesto un espaldarazo importante en su carrera de cara al mercado americano; especialmente con un single bajo el brazo tan idóneo como "Three Steps to Heaven". O quizás no. Tan difícil nos resulta de saber, como de poder precisar en el tiempo, los verdaderos límites, y adivinar los saltos evolutivos, de un talento en constante ebullición. En ningún caso creo que - en una década como la de los 60 de tanta agitación y cambio en la que el RnR se adentraría por vericuetos más intrincados - llegase a padecer los efectos de la obsolescencia, pues la versatilidad de un talento musical como el suyo, le otorgaba una enorme capacidad para adaptarse, con la coherencia indispensable, a las nuevas tendencias. No en vano, - y reitero porque no me parece que esté todo lo claro que debiera estar -  fue él quien anticiparía muchas de las posteriores metamorfosis de la música Rock... Si pensamos que sólo era dos años mayor que LENNON... ¿Por que no creer que los 60, ya fuese como cantante, compositor, o productor y arreglista, le hubiesen pertenecido tanto a él como a los melenudos?

Olvidarse de incluir a EDDIE COCHRAN en una lista de "los mejores guitarristas de la historia del Rock", viene a ser como saltarse el quinto día de la creación.. Todos los guitarristas posteriores a él, no podrían haber emulado a las aves de cielo.      


                              

miércoles, 11 de enero de 2017

RAICES PROFUNDAS

"RAICES", por el desarraigo que produce la desmemoria. "PROFUNDAS", porque la tibieza de lo "light" es el veneno insustancial que provoca una toxicidad de efectos mortales para el alma. Dos palabras que conectan con el inolvidable "Western" de GEORGE STEVENS, "Shane"(1953), de afortunada traslación al castellano. En tal conexión, no pretendáis encontrar nostalgia por el pasado, más bien un vivo interés por el presente venidero, pues como dijo LOPE DE VEGA: "Quien mira al pasado lo porvenir advierte". Aunque en principio pudiese parecer que este blog se rige bajo un patrón específico, que tiene como objeto reivindicar la excelencia de estilos musicales concretos – si lo parece es porque también es verdad – nada en él es predecible ni constante, y todo se encuentra sujeto a mi humilde inspiración y a mi naturaleza ecléctica.     


domingo, 8 de enero de 2017

A PROPOSITO DE ELVIS Y LA ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRA


Pienso, que todas las opiniones son respetables, aunque no creo que todas las opiniones sean autorizadas. Y al mismo tiempo, opino que la respetabilidad de algunas "doctas opiniones" en la crítica musical solo se les supone, como el valor en la antigua mili. Sin dejar de reconocer que, ciertos dictámenes supuestamente objetivos y versados, no demuestran ni tanta neutralidad ni tanta sabiduría, y en el caso de quienes los emiten se encuentren en posesión de tales cualidades, la primera suelen perderla en favor de los más diversos intereses personales, y la segunda, a menudo la emponzoñan por una animadversión personal hacia el objeto de sus evaluaciones; Fruto quizás de determinada frustración artística... Sí comparto que, existen y deben existir opiniones más autorizadas que otras, porque sino ¿Para que se estudia, se investiga y nos sirve la experiencia? También, debemos saber diferenciar, en este tiempo tan subjetivo y tan poco autocrítico, que el gusto es subjetivo, y el conocimiento es objetivo. Pongamos un ejemplo practico y musical a todo "este rollo intelectual"....

Cuando tenía quince años, si existía un cantante al que yo detestaba profundamente, ese era JULIO IGLESIAS. Unos cuantos años después y múltiples y variadas escuchas más tarde, "Julito" sigue sin entusiasmarme, porque desde la rigurosa objetividad, nuestro pop melódico atesora cantantes muchísimo mejores, pero en base a esa misma rigurosidad, honestamente no puedo afirmar con rotundidad que IGLESIAS sea lo que se dice un mal cantante, o un cantante detestable. JULIO, es un cantante no exento de buen gusto que entona bonito, y sus limitaciones como vocalista las ha sabido reconvertir en virtudes de lo más apropiadas para si mismo, pues desde el principio supo tener el criterio de rodearse de buenos compositores, quienes le construyeron una serie de himnos populares como trajes a medida. Cada uno de estos trajes, han ido configurando un personaje con una capacidad de conexión a nivel multitudinario, que se encuentra fuera de toda duda. Incluso, tengo que reconocerle que, sabe apropiarse de canciones de interpretes muy superiores a él, como es el caso de "Me olvide de vivir", "J'ai Oublié de Vivre" original de JOHNNY HALLYDAY, para otorgarlas mayor universalidad. Mi opinión sobre las positivas cualidades de "Julito", suelen coincidir en lo básico, con otras opiniones que he escuchado de él a músicos de diversas tendencias, es decir, está contrastada (conocimiento); Por lo tanto, mi valoración artística sobre el ex portero de fútbol ahora es mucho más autorizada que cuando tenía quince años. Aunque claro... ENRIQUE IGLESIAS le ha hecho todavía mucho mejor cantante a su padre de lo que en realidad es. Bueno, a mi quien me mola es JULIO JOSÉ, pero no nos desviemos del tema.

Bien, la aparición en el mercado de dos discos consecutivos de canciones de ELVIS PRESLEY, adornadas por la Royal Philharmonic Orchestra de Londres, ha suscitado la más enconada controversia entre los fans...
Algunas de las valoraciones tan rotundamente negativas que leo en relación a los dos discos, por ejemplo: "La calidad musical de estos productos es mala", o "frikada comercial", me parecen inaceptables objetivamente hablando. Si aplicamos el ejemplo que acabo de mencionar unas pocas lineas más arriba acerca de JULIO IGlESIAS, con vistas a intentar desenvolvernos en parametros de mayor mesura e imparcialidad, estimo que sería mucho mas ajustado calificar a lo de ELVIS y la RPO como un trabajo desigual, ni mucho menos redondo, pero tampoco de unos resultados "deficientes"; Y denostarlos en aras de: "Preservar la pureza del legado de Elvis", no le encuentro ningun sentido.
Primero de todo, debemos valorar las cosas desde lo que son, no desde lo que nos gustaría que fuesen. Lo de la Filarmónica de Londres y ELVIS, es un "producto musical de laboratorio", en el que se combinan los elementos orgánicos del clasicismo musical con las posibilidades que ofrece la tecnología moderna de un estudio de grabación; Y como tal debemos apreciarlo. Ponerse a juzgar un aceite como si fuera un vino... En fin... Juzguemos entonces al aceite desde las cualidades del aceite...

Como "producto musical de laboratorio", el resultado de "If I Can Dream" y "The Wonder of You" resulta dispar, pero con puntos de apreciable interés. Enumeremos algunos ejemplos significativos: La introducción de "Fever" es brillante, (no se lo que opinarían músicos y arreglistas profesionales, a mí así me lo parece), pero MICHAEL BUBLÉ, aun encantándome, me sobra un poco, en el sentido de que la tecnología del siglo XXI juega a su favor en detrimento de ELVIS. Un tanto de los mismo, en cuanto a la introducción de "Burning Love", original y vibrante.
Los nuevos arreglos de "Bridge Over Trouble Water", consiguen que la grandiosidad de la canción adquiera mayor cuerpo.
El trabajo realizado en, "I've Got a Thing abaout You Baby", demuestra que las virguerías tecnológicas propias de "un laboratorio musical", bien mezcladas con elementos orgánicos, pueden ofrecer buenos resultados. Ahora bien, es cierto que los modernos añadidos en un buen numero de los temas, no presentan grandes aportaciones respecto a los arreglos originales. Se limitan a ser un fondo de acompañamiento musical agradable en el mejor de los casos, desangelado en el peor; En otros, suben el volumen un poquito para que los nuevos aportes musicales sean más perceptibles y "todo arreglado". Un ejemplo sintomático, lo representa "American Thrilogy", pieza que se presta con total adecuación a un proyecto de estas características, no obstante, el nuevo tratamiento parece haberla desprovisto de toda esa fuerte carga emotiva del original. La sensación con "Kentucky Rain", también es muy similar.
Al escuchar el preámbulo de otro numero rápido, "A Big Hunk Love", me invade la ligera impresión de que empieza a cometerse un cierto abuso con la utilización de ciertos recursos musicales. En cambio, si tengo que destacar un aspecto positivo del producto, es la remasterización de la voz de ELVIS, que nos permite disfrutar en mayor medida de sus matices expresivos.
En definitiva, unos discos, o uno solo de dos entregas, erráticos, que se mueven entre lo correcto y lo interesante, con sus momentos de brillantez, aunque en demasiados casos termina por imponerse la irrelevancia a la originalidad. Muy mejorables sí, pero...¡En ningún caso rematadamente malos!

Otras lineas abiertas para la encendida controversia, es cuestionarse si PRESLEY, de haber vivido en nuestros días, habría quedado satisfecho con los resultados de "If I Can Dream" y "The Wonder of You", así mismo, gustan de elucubrar sobre la posibilidad de que el cantante se hubiese embarcado en una grabación de estas características; lo cual nos deriva hacia el gran trasfondo central de tan acalorada polémica... ¿Hasta que punto, al rey del RnR le gustaba grabar con una orquesta?
En cuanto a la primera cuestión, no creo que estuviese del todo satisfecho, pero mi intuición y la lógica me dicen que ELVIS más tarde o más temprano habría grabado un disco con una orquesta filarmonica ... Y también uno de "Duets", y un "Unplugged"(el primero de la historia fue el suyo), y un disco del "American Song Book" con orquesta de swing, y otro en la linea de los del ultimo JOHNNY CASH. Sí, porque son tendencias del mercado de estos últimos quince o veinte años, y hasta donde yo se, PRESLEY siempre fue un artista con vocación comercial, o sea, que pretendía vender los máximos discos posibles, y que a sus conciertos acudiese el máximo numero de personas, como así fue. Verse coronando las listas de éxitos de medio mundo en pleno siglo XXI, con toda una filarmónica detrás de él, no creo que le disgustase. En lo referente a que si el chico de Tupelo era muy amigo de las orquestas o no... Veamos...
Por lo general, la concepción musical que ELVIS AARON PRESLEY detentaba, tendía hacia el minimalismo. Producciones sencillas sin grandes aspavientos. Una sección rítmica compuesta por guitarras, bajo, batería y teclados, sumada a la pertinente sección vocal, con el añadido ocasional de instrumentos de viento, saxo y trompeta, eran suficientes para arropar a una voz como la del rey. Y sí, efectivamente durante la grabación de "All that I Am" del soundtrack "Spinout", al ver en el estudio a un cuarteto de cuerda, el rey puso mala cara y no hizo comentarios muy positivos al respecto. Los Reyes son así, (a mi personalmente los sutiles subrayados de cuerda, y la producción en general de esa canción me parecen una delicia). Vale, PRESLEY mostró resistencia a "entrar por ahí".

Sin embargo, en Marzo de 1968, antes de la grabación del famoso "Comeback 68", su majestad solicitaría los servicios de BILLY STRANGE, productor de moda en aquel momento, además de compositor, y que ya había colaborado con ELVIS en calidad de guitarrista. STRANGE, escribía y ensayaba los arreglos, concibiendo estos para una orquesta completa, antes de cada sesión. Bajo la batuta de STRANGE, el Rey grabaría, en sus últimos coletazos musicales para el cine, piezas tan suntuosas como "Edge of Reality" y "Charro". También, la cálida, pero muy bien reforzada a nivel orquestal, "Almost in Love". Sin olvidarnos de la famosa, "A Little Less Conversatión", profusamente enriquecida con instrumentos de viento.

Después vendría el "Comeback 68", con la emblemática "If I Can Dream" plena de grandilocuencia instrumental.

Tras su vuelta a los escenarios, unos siete años de conciertos con la orquesta de JOE GUERCIO; "An American Trilogy", "What Now my Love" son sobradas muestras de la grandiosidad que proporciona una orquesta. Asunto que a PRESLEY ya no parecía molestarle tanto.

En las históricas "American Sessions" del Año 69, - que representan uno de los puntos más álgidos en su carrera - debido a un constipado, ELVIS añadiría su voz en varias de las canciones sobre pistas pregrabadas, muchas de las cuales estaban sólidamente armadas con arreglos de cuerda y viento. 

"That's The Way it is" es un disco que contiene altas dosis de orquestación y abundante post producción. ¿Le gustaba a ELVIS tanto retoque orquestal sobre sus masters? Supongo que dependía del resultado.
¿Realmente los deseos del Rey eran que sus discos apareciesen publicados con sus masters de voz originales, sin el embellecimiento de cuerda y viento posterior? Cada quien tendrá su respuesta.
En cualquier caso, el productor FELTON JARVIS, obtuvo el beneplácito del Rey para tales menesteres en buena parte de sus entregas discográficas posteriores a 1966. Además de ensamblar y ordenar en Lp's, aquellas maratonianas sesiones de grabación. Tanto "el pack" de las "American Sessions" ("From Elvis in Memphis", "Back in Memphis") como "That's The Way it is", entran dentro de los discos imprescindibles de PRESLEY, y resulta que son trabajos en los que se emplean "overdubs" a tutiplén.

PRESLEY, con "It's Now or Never", fue, si no el primero, de los primeros en introducir la ópera en la música popular. ¡ELVIS el primer "IL DIVO" antes de "IL DIVO"!
Porque no debe olvidarse, que su graciosa majestad también tenía gustos sofisticados: BEETHOVEN, TCHAIKOVSKY, MARIO LANZA, y los Crooners; Y si bien sus trabajos de estudio no se encauzáron totalmente por el camino de las grandes orquestaciones - ¡Tampoco se trataba de hacer sonar a ELVIS como a MANTOVANNI! - su genio interpretativo era capaz de dar un giro inesperado, y sorprender a su audiencia recurriendo a una sencilla tonada vaquera de ERNEST TUBB, para transformarla en toda una elaborada pieza sinfónica, "Tomorrow Never Comes".
El Rey, con semejante versión, mas que tener que encuadrarla en el "Country & Western" nos obliga a crear una nueva etiqueta. Algo así como... "Hillbilly & Symphonic" o "Philharmonic & Western". Una constante en los genios suele ser romper los esquemas sin darse mucha cuenta. "Tomorrow Never Comes" es uno de los doce cortes originales del Lp, "Elvis Country", otro disco fundamental que tiene "sus arreglillos orquestales". Aseguraría que los suntuosos arreglos de CAM MULLIS, con su largo crescendo y ese colofón tan operistico, que rejuvenecen una vieja canción "hillbilly" de ERNEST TUBB hasta un punto que nadie hubiese imaginado, fueron del agrado del Rey.

En conclusión, no podemos afirmar que las grandes orquestaciones fuesen una seña de identidad definitiva en el discurso musical del Rey, en el conjunto de su obra discográfica... Pero existen muchas excepciones a la regla, que nos indican que en absoluto se sentía incomodo, ni era un cantante refractario a la mayor extensión musical que procuran las grandes orquestas, y cuando el pensaba que la canción lo requería, iba más allá, trascendiendo su acostumbrada concepción musical; O la que se le suponía como Rey del RnR.
Quizás, y es sólo una impresión personal, su "resistencia a las orquestas" tenga más que ver con SINATRA que con su propia esencia conceptual de la música. Su camino era otro, y todas las comparaciones son odiosas. De haber vivido en estos últimos quince años, veo factible que se hubiese embarcado en un proyecto con una orquesta filarmónica. Si lo han hecho KISS, GUNS AND ROSES, y METALLICA...  ¿El REY del Rock And Roll iba a ser menos?